以选择其它一些滤镜。如果是胶片相机，那么最好选择低速胶卷。如果可能去买专业的人像反转片。采 用大光圈镜头，可以虚化背景，排除一些不必要的因素对于人主体的影响。

　　3 构图： 人物一般采用竖拍，对于拍摄男性最好用低姿拍摄表现他的高大。女性相反。当然能表现女性的 线条是最好不过了。一定的道具是有益的。当然摄影者也可以引导被拍摄者摆一定的 pose。被拍摄者 最好不要正面面对镜头， 稍微侧身。 眼睛是一个人像拍摄中最重要的部分， 最好以那个地方作为对焦点。 而且尽量排除背景对人物的影响，比如不要人脑袋上长出一个电桩。

　　力、更生动、更有利于视觉传达画面的信息，传达作品的观念和感情。 线条和形状在摄影画面中的作用：

　　就像所有的艺术形式一样，一张摄影照片由线条、形状、色彩、空间四个基本元素构成。它们可以使画面更具有视觉的吸引

　　一张优秀的广告摄影作品通过精心组织的线条来吸引人的目光是必不可少的。有经验的摄影师会熟练地运用线条组合，

　　人像摄影可以充分显示镜头的“发现”的魅力。因为它不是借助于社会题材的轰动，不是依靠于历史题材的辉煌， 而是人的日常生活揭示人性的本质和人生的意义。这无疑最能考验摄影家对生活的观察、对人生的体味、对瞬间的把 握，也即他的“发现”能力。

　　正像丰富多彩的画卷一样，人像摄影有着无限的生命力，因为人像摄影就是“关注人的摄影”。通过人像摄影， 我们从社会的人、自然的人、历史的人、现实的人中探究和“发现”人的本性。人性是发展变化的，人像摄影是发展 变化的，我们对人性探究和“发现”，也是永无止境的。

　　主宾要互相呼应，互相照应，不是对等和均衡，而是突出“主”。人们都知道罗丹用斧头砍掉巴尔扎克雕 像的双手的故事，就是因为手太突出了。（故事见《审美心理的奥秘》64 页）

　　第三，破“静”的瞬间。摄影艺术是瞬间艺术，造型艺术都是瞬间形象。但静物却与瞬间不扣题，它是很

　　第三是构图 ，静物摄影的构图是最灵活的，它可以完全按作者情感需要进行组合，从而实现作者的创作 意图。如将静物组合成正三角形所产生的安定感；倒三角形的动荡感：Ｓ形的流动感等等。 第四是总体基调 。 这在静物摄影中也是最自由的。 总体基调对视觉影响也很大， 这不仅是冷调和暖调 ，都会看到，它的总体基调都可以看出它的情感趋向。

　　文章摘要 本文从风光构图基础知识和构图技巧、 原则以及注意事项等方面， 以典型的风光照片拍摄构图为例， 浅谈我对摄影构图的理解体会。任何一幅优秀的摄影作品都是一个复杂的思想艺术的统一体，作品的复 杂性是由生活的复杂性决定的。可以说技术是基础，技巧是手段，摄影美的创造是目的，而独特风格的 形成是摄影家艺术上成熟的标志，是更高层次的摄影美的追求。文中着重强调风光拍摄的技巧，构图是 在帮助我们把现有事物以一种重新整合的方式出现，并且通过整合让事物更加美观流畅。第一部分主要 是论述摄影构图的基本知识，开放式构图、封闭式构图，重点是黄金分割构图：第二部分论述了拍摄技 巧和方法，其中以方向和角度等方面来讨论：第三部分主要是心得体会， “吾日三省吾身” ，可见总结的 重要性了。

　　艺术性特征：广告摄影以摄影艺术为表现手法，通过形象化的摄影语言符号，艺术性地达到广告的专业 性要求。因此，为有效地传播广告信息，在不违反真实、准确、可信的基础上，广告摄影应当充分运用 摄影的技术手段与艺术手法。 广告摄影的专业性特征和艺术性特征，既互为独立，又互为依存。广告摄影师的创作水平，就在于如何 使这两个貌似矛盾，并有时会相互制约的基本特征得到完美的统一，这是解决广告摄影“视觉传达信息” 的根本立足点。广告摄影又是一种图解性摄影，它以照片的形式体现出作者予先想要表达的意图。而其 它种类的摄影一般都不具有这样显著的特性。

　　用，因为它使摄影者经由正确的创作途径而加强和提高了作品的思想性和艺术性。相反而言，凡是不根 据社会发展规律或不符合客观人物、事物本质的观念进行创作的，则是错误的创作观念，它必然导致摄 影者不能拍出成功的照片。观念的正确与否，主要在于是否符合社会发展规律，如果观念不跟着社会发 展而发展，正确的观念就要成为陈旧的观念，不变的旧观念就要转化为错误的观念。对人像摄影创作观 念来说，由于物化结果是可视性的画面形象，这种转化更是十分明显的。因此，际此社会变革迅猛，时 代面貌日新的今日， 创作观念的更新确属势在必行。 否则的话， 阻碍人像摄影发展， 危及人像摄影事业， 当非“危言耸听”之辞吧。 由此而说，首先，要清除不正确的创作观念。人像摄影者宜回顾一下 其

　　可以使原色更加强烈或暗淡。光谱的颜色是原色，他们最纯，也最明亮。当原色光线重叠时，就会产生附加色。了解这些， 摄影者就能通过红、绿、蓝三原色的调和来创造丰富多彩的画面。

　　任何一幅大师的摄影作品画面都有着鲜艳、丰富的色彩，适中的对比度（明度）。色彩的明度直接影响到照片的质量， 它不仅决定了画面的亮度，也对色彩的饱和度产生影响。在摄影创作中，明度是用光线来调节的。

　　思维，首先要对应人像摄影鉴赏的理性满足，从形象和形式单一性视觉价值的思维，向理性蕴蓄多义性 思辨价值的思维转化，通过形象形神或艺术形式寄寓摄影者的理性追求。兰金（Rankin 英国）的人像 作品《麦克尔·斯蒂普》（图 4）通过坦诚的画面展现真实的面貌，这也就是他拍摄的许多图象成为时 代标志的原因。 这幅肖像作品成功之处就在于高度浓缩了被摄对象最为精华、 最能体现人物个性的东西。 其次要对应人像摄影鉴赏对画面形象形神的生活感，让观赏者面对形象有如见其人的直观感觉。生活是 无限丰富的，人像摄影造型应是变化无尽的、重要的是姿势表情要有生活感，（“摆”而不露“摆”的 痕迹）陪衬背景要合生活逻辑，光、色、调子要有生活气息。《馋涎欲滴》（图 5）这张胖娃娃的肖像，

　　这瞬间形象中使你感受到一个人丰富多彩的内心世界，能够解读出人物灵魂深处更多更复杂的思想和情 感，这才是人像摄影的魅力所在，这才算得上一幅好的人像作品。 人像摄影过程中，主观因素起着重要的作用。人物形象是客观存在，而人物的神情却是人像摄影追 求的目标。人像摄影并不规定人物的客观条件，比如胖瘦丑美之类，我的理解是，人像无所谓丑美，只 要自然、生动就是最好。 人像摄影， 除了容貌本身之外， 还有衣着、 饰物和脸部化妆的效果等等， 在刻意安排的人像摄影中， 比如婚纱照、艺术照等等，这些都需要认真进行准备，尤其是要根据被摄者的容貌气质等条件，进行正 确的组合搭配，才会凸显出艺术效果。 我比较喜欢的是随意随机的人像抓拍，这样拍出来的人物更贴近生活，也更自然生动。前不久去四 川峨眉山，在金顶上游客大多在四处观光，而我却注意到有一位妇女却双手合十的独自站在那里，于是 便转身拍了一张。 人像之美，其实就是人性之美。只是躯壳的美，是没有感染力的。即使是拍摄漂亮的模特，也要特 别提防一个“美丽的陷井”。模特通常经历不同程度的专业训练，在摆出更多利于拍摄的姿态方面，要 胜出普通人一筹。但是我注意到，正是由于训练的结果，模特们的表情也呈现出高度的“职业化”ayx爱游戏，不 论如何变换姿态，她们的表情始终如一，看上去漂亮，却空无内容。你只要稍微留意一下就会发现，当 模特从特定的姿态中解脱出来之后，才是她最轻松自然和生动的瞬间。抓住人物最佳的表情瞬间，好比 百米冲剌，就差那么百分一甚至千分之几秒，人像作品就显出了水平的高低和差距，这也是人像摄影难 度所在。 人像摄影绝不是模特摄影，模特也绝不是道具，模特同样也是有血有肉有情有意的大活人。把模特 当成普通人来拍，拍出她最平常最自然最生动的形象，而不是满足于其职业化美丽的表象，这是我们应 该注意的。 另外，人像摄影在许多情况下，需要摄影者和被摄者之间的良好互动与配合，这一点许多专家也讲 到过。我的体会是，摄影者同时也必须是出色的导演摄影知识，他应该能轻松打破现场的紧张情绪，能不经意的 诱导对方最自然的情绪的流露，为自己抓拍最佳瞬间创造机遇。 最主要的还是记住：无论男女老幼，无论高矮胖瘦，只是自然生动，就是最好的人像。

　　与清晰度紧密相关的是质感。表现质感的方法就是要设法将主体本身的光泽表现出来，如果主体是光滑 的，表面有花纹，或是粗糙的，那么一幅技术高超的好照片就应该如实地把它反映出来。画面的阴暗部 分应有充分的色调层次，把细部表达出来。明亮部分的色调应是从灰白到逐渐暗淡。最重要的是照片中 的主体，它的色调应有足够的层次或反差，使它的形状能表现出来。正确处理照片上的各种色调，是为 了取得适当的反差或明暗比。一张缺乏反差的平淡照片，是不悦目的；但是，反差过于强烈也同样叫人 看了不舒服。事实是：照片质量愈不好，摄影技术上的缺点就愈突出，相反，如果照片质量好，则摄影 技术的每一个环节都起到它自己应起的作用，因此人们注意到的主要就是主体了。以上是我对广告摄影 这一课题中的一部分内容，所做的粗浅论述，有不到之处，还望各位大大指正和谅解。

　　摄影广告：摄影广告是运用摄影方法为主要手段进行广告宣传的一种形式，它与文字、绘画广告一起， 构成了印刷广告的整体。摄影广告以广告照片为，同广告文字、广告美术设计有机结合，是一种完整的 广告成品。摄影广告是广告设计师、广告摄影师等创作人员共同劳动的结果。 广告摄影：广告摄影是为摄影广告提供的“半成品”，它的创作成果是作为摄影广告主体的广告照片。一 般而言，广告摄影主要是广告摄影师的劳动成果。广告摄影虽然不包括广告文字与广告美术设计，但摄 影师在拍摄之前，对摄影广告的总体设计应当是有所了解并能作出相应安排的。和摄影广告相比，广告 摄影更多地属于摄影艺术的范畴。摄影艺术可分为两大类，风光摄影、静物摄影、肖像摄影等属于艺术 摄影类；新闻摄影、科技摄影、广告摄影等属于专业摄影类。广告摄影是以传播广告信息为目的，以摄 影艺术为表现手法的一门专业摄影。

　　镜头，不仅可以记录世界，使瞬息万变的事物静止下来；同时也可以发现世界，让世界静止下来，供我们观照赏 玩——这正是摄影的魅力之所在，它存在于对镜头下的事物的本质的揭示之中。但是摄影并不是人们了解事物的一种 简单工具，人们通过观看不同的瞬间，了解到不同瞬间的意义，它还改变着观看者本身，让观看的人试图弄清摄影家 的真实意图。亨利·卡蒂埃－布列松已经有过断言：“不是你们照相，而是相照你们。”摄影的巨大吸引力，正在于 它除了反映镜头下的世界，同时也反映摄影家本人。

　　2. 雨天拍摄,常常会出现曝光偏多的现象,而曝光过度对表现雨景是极为不利的.因为雨天景物反 差小,曝光过度会使反差更小,照片看起来是灰蒙蒙一片.所以,一般多采用减少曝光,延长显影的办法, 来改善反差的情况.可按正常曝光量减少一挡到一挡半,每减少一挡时,可增加 20%-30%的显影时间,这样 有助于提高画面反差. 3. 拍雨景时,不要以天空为背景,而应选择深色背景,这样才能把明亮的雨丝衬托出来.如果画面中 有水,不论是河湖水面,或是街道上的积水,雨点落在水面上溅起的一层层涟漪,也有助于雨景的表现. 4. 雨水不会是垂直落到地面,一般以选择雨丝成 45?方向时为合宜.使用的快门速度不可太高,因为 高速度会把雨水凝住,形成一个个小点,而没有雨水的感觉.如果使用的快门速度太慢时,雨水会拉成长 条,效果也不好.一般以使用 1/30 秒到 1/60 秒速度为好,这时快门速度不高,可以强调雨水降落时的动 感. 5. 拍摄雨景时,要注意在镜头和雨点之间要拉开距离.雨滴离镜头过近时,一滴很小的雨点也会遮 住远处的景物.当然,有时也会有意需要这种特殊效果.要注意相机不能淋雨,也不要使镜头溅上雨点.一 般可用雨伞遮住或把相机装在塑料袋里,把镜头和取景部位露出. 6. 在室内,如想透过窗子表现室外雨景时,可在室外玻璃窗上涂上薄薄的一层油.这样,水珠容易挂 在玻璃上,渲染雨天的气氛. 7. 用彩色片拍雨景时,由于阴雨天的光线色温高,使用日光片时,照片会出现明显的偏兰色调.这种 偏色可不用校正,因为兰调可渲染雨天寒冷的感觉. 8. 拍雨天的夜景时,因为灯光的反射以及地上水面的倒影,都会使画面显得很生动.尤其是,使用彩 色片拍摄时,雨天夜景的色彩效果要比一般夜景更为丰富. 二.怎样拍雾景 雾是由许多细小的水点形成的因而它能反射大量的散射光.距离愈远,散射光越多,色调越明亮,远 处景物越看不清.所以在薄雾笼罩下的景物,能明显地从色调上区分出前景中景远景,加强了空间的纵深 感.薄雾能掩盖杂乱无章的背景,简练地勾划出画面中的主要形象,提高了表现力. 拍摄时应注意: 1. 雾景的光亮度很高,应正确控制曝光量,以免感光过度. 2. 雾景反差小,拍摄时最好远用慢速与中速胶片.为使底片获得较大的反差,也可采用减少曝光,增 加显影时间的办法来加以改善. 3. 安排画面构图时,应尽量选择有远景中景近景的景物,以表现景物的纵深感.前景中景应昼选取 暗色调的景物. 4. 浓雾时一般不宜于拍摄,因为它的能见度太低,除较近前景外,中景和远景都看不到.这时,如果 加用黄滤光镜或橙滤光镜,可减弱浓雾效果.因为黄橙滤光镜能吸收兰紫短波光,增强光线的透过能力. 如想增强雾的效果时,可加用兰滤光镜或雾镜.雾镜分一号二号,可获得不同浓度的雾化效果.如果想加 强雾化时,也可把一号二号雾镜加在一起使用. 三.怎样拍雪景 雪景的特点是,白雪反光极强,亮度极高,它与暗处的景物相比,明暗反差对比强烈.这一反差级数是 远远超过感光片的宽容度的.拍摄时,如果不充份估计到这一特点,画面的影纹和层次就要受到损失.拍 出的照片或是白雪曝光过度,一片死白;或是暗处景物曝光不足,没有影纹.所以拍雪景时,既要反映出雪 的特点,又要照顾到雪与其它景物的反差问题. 拍摄时要注意: 1. 拍雪景不宜采用阴天的散漫光或顺光,因为这种光线不利于表现雪的质感.一般多采用侧光、逆 光或侧逆光. 使用侧光或逆光时,阴暗部分最好加用补助光,可用闪光灯、反光板,或利用周围环境中的 白色反射物. 2. 拍摄时,可加用滤光镜.除兰色滤光镜外,其它颜色的滤光镜都可以吸收兰、紫短波光,从而减弱 雪地的亮度.一般多加用 U、V 或黄滤光镜,橙、红色滤光镜会使天空的色调过暗.拍彩色片时,多加用偏

　　术也绝不是杂乱无章的组合。 因而 形 式表现是极其重要的。 那么什么样的形式， 才是静物摄影的艺术形式？

　　回答：最完美的形式不是最完整的形式，而是有意味的形式；具有“空间紧张”的形式；格式塔的“不完全”形。 在静物摄影中，如何通过不完全的形，造成更大的形式意味或刺激力，是摄影家创造能力的一个重要表现。

　　稳定的，是静的。如果原境（静）照搬，就表现不出活。拍不活就没有生气，没有生气就没有吸引力。因而， 有经验的静物摄影家，总是想方设法破静。如拍鸡蛋，把鸡蛋打个洞，让它流出蛋黄，在流出的瞬间拍照； 拍茶具，让水流出来时拍照等等。 破“静”，在审美心理上产生一种悬念，产生一种刺激，产生一种探求答案的心理。

　　艺术价值，只能在鉴赏者的接受过程中得到体现。也就是说审美客体（作品）的艺术美，只有在审美主 体 （鉴赏者） 的欣赏和理解的审美或动中才能获得艺术生命力。 一张不能受到鉴赏者理解和赞赏的照片， 总是客体激发不出主体的审美感受，尽管摄影者自己如何自诩，照片决不会被公认为摄影艺术的，孤芳 自赏其实是可悲的， 这是摄影者不研究鉴赏者的时代审美要求， 没有认识到鉴赏者已是审美主体的缘故。 人像摄影的唯一对象是人，鉴赏者也是人，两者之间必然存在着人际之间的多渠道联系。人们欣赏美的 人像摄影佳作，人们也会一眼辨出伪美的人像摄影劣作，这是人际生活中最易产生审美通感的现象。 近来，很多摄影理论家已在研究“接受美学”，他始于文学研究领域，也适用于视觉艺术发展的研究。 从摄影学方面来说，就是从接受者（鉴赏者）的角度来审视摄影艺术。我认为在当前探讨人像摄影艺术 的发展和创新的活动中，为了出新审美认识，对接受美学的认识也是十分必要的。这一学说指出接受者 对一副作品的审美接受，是以接受者过去的审美经验、当时的审美心理和预期的审美满足等为条件，而 且是随着本人的学时水平、个人爱好等接受意识的变化而有差异。这种接受条件或要求，成为“期待视 野”。为了适应接受者所期待的新视野，摄影者在观察生活和理解人物时，不但要获得审美经验，也要 注意获得摄影爱好者的审美信息和群众的审美需求。对接受期待的审美视野进行考察、认识和理解，才 能出新自己的审美经验，创作出具有被群众和社会接受的，有美学价值的人像摄影新作。 综上所

　　是对客观事物有了理性认识而形成的。我们在社会实践中的理性认识，都是从感性认识开始的，感性认 识的素材积累多了，就会升华为理性认识，并逐步地在头脑里产生自己的观念。在人像摄影创作中，摄 影者从观察人的行神和人的生活开始，直至考虑如何赋予作品以内涵和如何表现人物形象等等的全过程 中，始终反映了自己对生活、对社会、对时代的主观评价。换句话说就是由自己的观念指使着摄影者组 织什么样的形态和神态来塑造形象，选择什么样的生活素材来表达作品内涵的意义，这个观念就是创作 观念。所以创作观念主宰着摄影者的整个创作活动，摄影作品的内容和艺术形象的造型，都是创作观念 的物化结果，体现了摄影者对人物的感情和对生活的爱憎，以及对人物所处的社会和时代的表态。 在人像摄影创作中，根据社会发展规律的观念进行创作的是正确的创作观念，它对创作实践起到促进作

　　正确的创作观念应深刻时代生活和大众需求的反映。随着我国改革、开放、搞活的政策深入实施，人们 的生活方式，生活节奏起了变化，对精神产品的感情、爱好和需求也有了改变。这些变化就是社会发展 规律的反映，也是创作观念更新的主要对应内容。 总之，更新创作观念，要点在于清楚错误观念，

　　丢弃陈旧观念，树立紧跟时代的观念。那么，人像摄影者就有可能发挥自己的创作个性，突破形式格调 的单一，克服表现概念化、雷同化，排除题材狭窄、内容肤浅等现象，提高人像摄影作品的艺术深度、 广度和力度，满足群众不同层次、不同角度、不同喜爱的多样化需求。 二、更新创作思维 人

　　个创作过程中起到，自觉地按对象特征适应的艺术规律，进行各种创作活动的作用。所谓逻辑思维，就 是运用推理、分析、综合、判断等思维方式，得出理性的概念性结论，以利于摄影者通过比较、选择、 提炼、决定作品的题材和主题；对对象特征作好观察、理解，选出最优化的造型手段；综合镜头、感光 片的性能和光线、色彩的情况，确定光圈、速度等的选用等等。至于形象思维，则是自始至终不离开具 体的、 生动的人物形象的思维。 它的活动是加深对生活中人物形象的认识， 从感性观察提高到艺术理解， 从外貌形态觉察内心世界，从外在表象辨出内在本质，促使造型的以形传神和提高作品的内涵意义。它 的过程是从对人物形象有感性印象开始，经过艺术理解后在胸中转化成为理想性意象，摄影者或加工者

　　技巧完全由作者自由决定，比如拍一株红叶，它可以拍成“霜叶红于二月花”（激情）（唐·杜牧《山行》）也

　　可以拍成“遇红无礼是泥尘” （无情） （宋·李觏 《残叶》 也可以拍成“枯叶恋高枝” ） 《多情》 （清·袁枚 《枯叶》 。 ） 一件或一组静物的平面结构的情感意义的总体，体现在整个作品的平面结构中，包括构成这个结构的各 种因素，从表现题材，到用光、构图、色彩处理，作品基调以及陪衬物等等，都分别构成一定的情感意义， 成为整个作品情感意义的一部分。它们是总体的一部分，又有相对的完整性。我们可以研究一下，静物摄影 ——情——各种结构因素的情感意义的形成。 首先是艺术形象，如果选择前文中说的红叶，它可以构成红叶的情，如果我们拍照一个不倒翁，最方便

　　摄影画面是作者思想的荷载体，不管其主题或主体是什么，都是在表现一种意象。它的价值，往往超过 视觉感官所察之物。 那么如何理解静物摄影的表现力？

　　第一，从时间的连续性，来理解它的生命的表现力。我们知道，静物是没有时间性的，也是没有或停止

　　生命的。为此，要想把非时间性的物体，表现或理解其时间的连续性，就要抓住艺术品所表现的知觉、情感、

　　静物，特别是人人熟悉的东西，都知道它是静的，如果原样照搬，谁对它也不会感兴趣，因为人们的心 理是求奇、求新、求异，求变化。 四、力

　　力是指力度、表现力、吸引力、想象力——幻象力、生命力。如果一幅静物摄影作品缺少“力”，就不如 看原型，因为静物，尤其是有些工艺品，本身就是艺术品。静物摄影是一种再创作，而不是形式的再现。

　　如图 2：通过上述推导我们得到了一个被认为很完美的矩形，连接该矩形左上角和右下角作对角 线，然后从右上角向 Y’点（黄金分割点，见图）作一线段交于对角线，这样就把矩形分成了三个不同 的部分。现在，在理论上已经完成了黄金分割，下一步就可以将你所要拍摄的景物大致按照这三个区域 去安排，也可以将示意图翻转 180 度或旋转 90 度来进行对照。 趣味中心 当我们对一朵花、一只鸟、一栋民居、一个人感兴趣，要拍下来时，这些主体就是趣味中心。 那么，它们应该放在画面的什么位置上呢？怎样能让观赏者理解我要表达的意思呢？这里，我们首先要 了解在画面上的黄金分割点。西方国家将任一长方型画面连接对角线，再从角点向对角线做一垂线，交 点即名为： 黄金点。 这样， 画面上有四个黄金点。 中国自古以来用的是九宫法， 即将画面平均分成九份， 也有四个交点，称黄金点。和西方大致相仿。

　　每次看到具有视觉冲击力效果的摄影作品，我们的眼球按总是为之一亮，赞美之余，总是反思，为 什么相同的风景，拍出来的效果不同呢？通俗来讲，还是因为不专业。没有不好的题材，只有不好的作 品。我情有独钟于风光拍摄，拍摄风光，可以顺带享受山水野趣；拍摄风光，要背着几十斤重的器材爬 山涉水，顺便就起到了健身的作用。 但是，摄影这个过程和目的远非这样简单，如果单纯地只拍摄“到此一游”的照片或仅仅是为了记 录下我们原来所未见过的风景，这样拍摄出的照片就缺少一些让人激动的内容。也带有一种任务观念， 将很少能拍摄出产生视觉冲击力的效果的照片，结果拍摄出来的照片无非只是一些场景的记录。因此， 在拍摄的时候，我们要考虑的是，这次拍摄能够掌握点新的什么技巧，能够发现点新的什么视角？只有 当我们用大脑和眼睛满怀热情的去发现那些大量存在于我们身边的自然界里的美好事物时，我们才会有 真正拍摄的乐趣。 第一章 了解摄影构图的基本知识以及构图方法。 们的周围美的视觉要素到处都有，占我们日常生活的比重很大，以致我们大多数人对它熟视无睹。 在风光摄影中，无论是平淡无奇还是雄伟壮丽，它都包含着无限量的视觉美点。有时候它只存在片刻， 稍纵即逝，有时候它藏在极普通的外表下，貌不惊人，难以辨认。事实上，这隐藏着的视觉美点才是真 正神奇有趣的东西。 从自然景观中发现具有美感的线条、色调、形状和质感，把它们纳入取景器中，以摄影家完全自我 的方式加以处理，随后制成照片，让观众对这些视觉美点也能一目了然，这就是构图的全部内容。 构图是一个思维过程，它从自然存在的混乱事物之中找出秩序；构图是一个组织过程，它把大量散

　　光比， 色调等基础素质方面。 当然， 人像摄影艺术要有优良的基础素质， 但是基础素质不等于艺术价值， 所以要开拓思维、活化思维，让思维折射出社会生活、时代特征，人的感情、性格、本质等的投影，还 要让思维对应群众的鉴赏心理，审美要求和理性思辨等的满足，才能塑造符合时代需要的，富有生活活 力的，能够揭示人情、人性和内在活动的熠熠发光的艺术形象，作品也就蕴含理性的深意。 活化

　　没有人的活动就没有社 会的一切。因此，人像摄影在摄影创作中占 据着主导地位，也是摄影实践的一 大门类。 1839 年，摄影术正式问世。19 世纪 40 年代，人像摄影开始形成，在起步上，它晚于建

　　筑和风光类的摄影门类。当时人像摄影使用最广泛的是达盖尔式的摄影法，卡罗法（碘化银纸法）由于 成像质量低而未能获得普及。那个时期拍摄的人像，神态比较刻板。到了 50 年代后，随着社会、科技 和摄影术、摄影器械的发展人像摄影也迅速得到普及。20 世纪 20 年代后，人像摄影与社会更加贴近， 各个时期人们对人像摄影的探讨都未停息过。当前，在探讨人像摄影技艺的继承与创新问题的争鸣中， 逐步趋向纵深发展， 议题也越来越多， 综合国内外人像摄影的讨论方向， 其中关于人像摄影的创作意识， 我觉得是重要的议题之一。 摄影者进行摄影创作，不论作品表现得一般或优秀，总是受制于摄影

　　静物摄影不存在“此一时，彼一时”主题，不是功利的产物。静物不同于现实生活，因为现实生活无法回 避现实。

　　今天的现实，就是明天的过去。我不是说静物摄影不可以干预生活，而是相反，静物摄影应该永远的生 活，象有艺术价值工艺一样，年代越久远，艺术价值越高。 静物具有得天独厚的生命力 。它不仅可以表现永恒的主题，产生永恒的作品，更主要的是生命力强， 活跃。它不受秩序的限制，可以任意安排，不从属于自然，可以随意造化。

　　神，再后体会到作品内涵。人像摄影画面形式的载体，有人物的容貌、服装、饰品等，有陪衬的道具、 座椅、装潢品等，还有占了很大空间的背景、地面等；形式的结构，有形结构的点、线、面等，光结构 的光、影、色等；载体的多种性决定了形式的多变性，也只有依靠思维的灵活性方可完成表现多变性的 要求。形式的独特性要求在进行如何造型的思维活动时，改变传统的停留在光效和陪衬的单向效果上， 要从形式的表现转向形式的创造， 努力于追求别人尚未表现过的形式， 致力于影像思维活动的活化探索， 尽力于自己的个性、创造性和想象力的发挥。那么才有可能创造出不落俗套、不蹈袭、既不重复别人， 也不重复自己的独特性形式。利用新颖的画面形式，会使人感到有的加深了作品意境，有的强化了人物 感情，有的增添了审美价值，有的提高了画面格调，有的提供了作品内涵。从生活出发，从实际出发， 因人而异，因情而变地进行灵活思维，才能独具慧眼、独辟蹊径的取得耳目一新的造型效果。 出新审美认识 上一页 [1] [2] [3] 下一页 三、

　　我们知道复杂的装饰图案其实都是由极简单的线条、形状变化而成。任何复杂的事物都有它的符号标记或特征。拍摄者 只有通过深入观察与认识才能从复杂的事物中提取这些符号和标志。 色彩在摄影画面中的作用

　　就视觉效果而言，色彩先于形状，当人对色彩产生反应后，图形和文字才能进入大脑。因此，色彩构成了对画面的最初

　　印象。一切视觉感受都是由色彩和亮度产生的，因为色彩直接影响到人的情感，所以它成为摄影构图元素中最具有表现力的 要素之一。愉悦的色彩节奏与和谐满足了人类的审美要求，色彩可以真实地再现拍摄对象，创造空间的效果。

　　四、广告摄影的作用及如何进行广告摄影的创作 1、广告摄影的作用 广告照片不仅用在报纸和杂志的广告上，而且在其它方面都可广泛应用。它们是商品目录、规格介绍、 介绍性小册海报、广告栏、汽车、商品橱窗和展销点的重要组成部分。它们也用在说明书、年度报告、 邮件、 产品包装等方面。 从拍摄技巧和实用的角度来看， 广告摄影可以说是摄影领域中最包罗万象的了。 一幅成功的广告照片，必须具备下列三个条件：第一，有吸引力----如果没有视觉效果，那么人们就不会 停下来看广告，因此，广告必须能引起人们对它的注意。第二，创造气氛----视觉上的快感吸引观众多欣 赏一会儿，并在某种程序上理解广告者的意图。第三，打开销路----广告照片的全部目的就是推销，刺激 人们去购买，而这种推销能力往往取决于产品的如何介绍和产品的如何拍摄。 2、广告照片的内容 有些广告，犹如一本商品目录，里面有产品及其式样和用途。有的广告是说明一种效果，用后会如何如 何。还有一些广告，是表明商品的有形的或无形的优点。意图是各种各样的，因此，广告照片都应该设 计完美，抓住重点，还要尽可能地做到有吸引力。如果照片技术低劣，那么就起不到的效果，就没有人 会理解它。如果一幅照片象一张杂乱的机械图一样，那么，除了设计者本人以外，就没有人能看懂它究 竟是什么意思。 如果在美感上很乏味， 那么它就会使我感到烦倦， 并且没有人想知道它究竟要说明什么。 一幅经过仔细推敲和设计而创作出来的成功作品，最首要的一点，是对所要推销的产品有一个明确的意 图，并力图把它用清晰的、有逻辑性的、有吸引力的手法表现出来。广告照片之所以强调美，是基于人

　　们的爱胜过恨、美胜过丑、甜胜过酸的本性。无论照片是四种彩色还是一种彩色，是大还是小，是方还 是圆，这都没有关系。运用彩色、设计、规格和特殊技巧等手段，抓住人们的眼睛，才能使照片具有吸 引力。然而吸引住观众的注意力并使照片起到广告作用的是内容。内容是照片的基本意图，如果内容能 被成功地表现出来，那么销路就会打开。 3、逻辑性和视觉效果 为了创造气氛，照片必须有一定程度的逻辑性。它应该简单明了，叫人一看就懂。而且它应该首先在视 觉上给人以快感，使人目不转睛。从逻辑上讲，画面上并不一定要显示出日常都能看到的东西。人们天 天在浴室中使用肥皂，但这并不意味着在画面上一定要有一个浴室做背景。假如商品的感染力在于使用 肥皂后所产生的清爽感受，那么选择一条清澈的山间小溪，周围是凉爽清新的大片苔藓和绿茵作背景， 这可以说是非常富有感染力的。这样一种有它自己的深刻含意，并且由于它造成一种清新爽快的气氛， 而会达到预期效果。另一方面，关于肥皂的广告词可以强调肥皂的主要性能之一就是能产生大量泡沫。 这样，在画面上，以肥皂为衬景，表现一大堆形状有趣的泡沫，也能更直接地说明问题，肥皂泡本身就 能造成一种让人使用肥皂的气氛。大多数好的广告摄影照片都是比较简洁的，画面中所有的因素都应对 表达主题起辅助和衬托作用。因为摄影者喜欢把无关的材料也拍进去的毛病总是存在的，大胆割爱是一 条十分可贵而又必要的原则。 4、气氛的创造 色彩和光线是创造气氛的主要因素。摄影者在拍摄过程中或在暗房操作过程中都可能影响这些因素。特 别是运用彩色负片制作彩色正片的方法会对影像的控制提供较大的伸缩性。整个彩色照片的彩色平衡， 如需要，可以做得与原景有很大的不同，并且，影像的部分密度或整个密度也可使之变得比正常更亮或 更暗。在复制时，彩色透明片也可通过控制的方法取得类似的效果。这样，在很大程度上，摄影者可以 冲破看起来对创造气氛是很有限的条件。在摄影室中，很明显，摄影师对被摄物体无论在光线还是在色 彩上都可以全面控制，剩下的就只是技术、鉴赏力的器材使用的问题了。但是，广告照片不能仅仅限于 好看，它必须有说服力，就是说，要能说明一个问题。画面的构图取决于所要表现的内容。摄影者所选 择或安排的背景(或环境)，必须能起到抓住观众、创造气氛、说明意图的作用。画面的色彩，正像拍摄 的时间，以及光线的亮度和反差一样，要起它应起的作用。实际上，用光线来加强画面的气氛是摄影的

　　十、向前辈学习 如果你拍的是著名的景点，可以翻翻相关的明信片和旅游画册，看看别人是怎样拍这个地方的。这可以 启发你许多拍摄方法， 如在哪个角度， 用什么镜头， 在什么时候， 利用什么天气等等。 与纪实摄影不同， 风光摄影拍摄的景物往往是固定的，光影也会一年四季轮回转，非常便于模仿。这样做可以让你研究摄 影大师的技法，通过模仿逐渐学会专业的拍摄技巧，并且可以启发自己的灵感。临摹是你风光摄影进步 的捷径，而当你不再为前辈的作品诧异，不断拍出独具个性的照片时，也是你的摄影之路与成功不远之 时。 生活不是缺少美，而是缺少发现美的眼睛，自然风光之美，更值得我们去欣赏，拿起相机，用智慧 让它展示出最美的一面，定格在历史的长河里。 ，

　　不是所有的作品都需要准确曝光，曝光的多少完全取决于我们对事物的认识和欲表达的效果 不是所有的作品都需要准确曝光 曝光的多少完全取决于我们对事物的认识和欲表达的效果。下面 的知识我们必须了解：在曝光宽容度允许的范围内 在曝光宽容度允许的范围内，曝光欠半级或一级时，景物的高光部分的色彩更加 景物的高光部分的色彩更加 饱满，反之，则高光部分的色彩就会淡化 则高光部分的色彩就会淡化。 曝光的掌握需要不断的经验积累，有些现成的规律也要熟记。例如：拍摄雪景要增加 曝光的掌握需要不断的经验积累 拍摄雪景要增加1.5级曝光； 拍摄区域光照射的风景，按照高光区域测光后 按照高光区域测光后，减少半级曝光；拍摄比较暗的景物 拍摄比较暗的景物，测光后增加一级曝 光；拍摄逆光下的河流，对准河流中的高光区域测光后 对准河流中的高光区域测光后，减少一级曝光；拍摄日出 拍摄日出、日落的太阳时，如 果将不刺眼的鸭蛋黄般的太阳放入画面 的太阳放入画面，曝光数据是光圈 F/16，速度1/15秒（ （100度的反转片） ；阴雨天 拍摄风景，按入射式测光所得到的数据进行拍摄 按入射式测光所得到的数据进行拍摄，一般不需要增减曝光，景物的色彩还原真实且饱满 景物的色彩还原真实且饱满， 等等。 利用顺光拍摄风景

　　形态与结构。光线的投射所产生的阴影。它在影响画面的布局、画面的空间排列中与光线本身是同等重要的。传统摄影大师

　　布列松就是利用光影的高手。还有一些现代主义的摄影家利用被摄体本身的阴影，甚至画面空间之处的阴影，投射到被摄体 上，从而造成被摄体本身的变形，以达到拍摄的目的。

　　阴影的形状本身与景物中的明亮部分一样也能引人注目。在拍摄广告时，如果要使空间产生厚重、深沉的效果，大面积 地使用阴影往往会取得事半功倍的效果。 结论

　　静物摄影的基本艺术特征是从静中看到“情”、“动”、“活”、“力”。 静物摄影大体上分两类

　　： 一类是有情节的 ， 如有些工艺品 ， 象“鹬蚌相争”、 “黛玉葬花”、 “我也养”、

　　“孙悟空”等等 。还 有 一些由模型标本组织成有情节的画面 ，作者用借喻 、象征 、寓意等方法表现某些

　　构思。另一种是无情节的静物，如某些水果、蔬菜、工业产品等等。这类作品大部通过造型——包括光、影、

　　讲了这么多关于不同题材黄金分割构图法的意境表现，现在我们再来说说，这一理论到底是从 何而来。 黄金分割线:“黄金分割”公式可以从一个正方形来推导，将正方形底边分成二等分，取中点 X，以 X 为圆心，线段 XY 为半径作圆，其与底边直线的交点为 Z 点，这样将正方形延伸为一个比率为 5︰8 的矩 形， （Y’点即为“黄金分割点”） A︰C = B︰A = 5︰8。幸运的是，35MM 胶片幅面的比率正好非常接 ， 近这种 5︰8 的比率（24︰36 = 5︰7.5）

　　[富春江渔歌（三分法则是这张照片构图成功的基础）] 六、拍出层次感 如何在技术上判断一张风光照片的好坏，有一个基本的要素就是看照片的层次感。有了层次感，也就有 了立体感，画面也会显得丰满，意境也会深刻。要使风光照片获得丰富的层次感，就应该处理好前景、 中景和背景的关系，让三者之间能够平衡分布，互相呼应；在大小与明暗对比上，能够自然和谐。风光 照片最忌讳：见什么拍什么，而不去考虑前景的搭配与背景的衬托。你应该有意在画面上加一些前景或 背景，以衬托主体。用好镜头是获得层次感的关键，广角与长焦的不同透视效果可以帮助你分布画面中 不同景物的层次关系。 七、加上人会更有意味 不要忘了人！有人的风光照会更富有生气，更有意味。很多人都会感觉自己拍摄的照片太平淡，没有生 气，除了色彩就是构图。为什么不想办法让风光照片中有个人呢？人也是大自然的组成部分，有了人的 风光照片就有了文学性，它会让画面带上浪漫的气息，富有诗意。这个人物不必做主体，他是配角，可 以是虚的，也可以很小，但是必须能够增强画面的感染力。人与景的情景交融，是一张风光照片的最高 境界。 八、随时记下拍摄的地名 许多刚学摄影的人都没有这个习惯，认为拍完一张风光照片就以为一切完事了，其实发表照片时经常需 要为这个照片取个题目，这时候你才想起来不知道这个拍摄的地点叫什么，所以记住拍摄的地名也很重 要。特别是一些照片要去投稿，必须有题目。另外，你记住这张照片的地名，也有助于你第二次去重复 拍摄。其实很多成功的风光照片，都是摄影师在同一个地点拍了无数次，才得到的好照片。 九、多拍几张 当前，数码相机已经很普及了，使用成本低是数码相机的突出优点ayx爱游戏，摄影者不用为浪费胶卷而担心。数 码相机的存储卡现在也很便宜， 可以使存储空间变得很大。 一旦你发现精彩的镜头， 就一定要多拍几张。 多拍几张的内容却并不简单，你应该在构图的形式，横竖画幅的变化、曝光的包围加减、不同的镜头焦 距、还有就是防止相机动掉等变化因素中进行各种拍摄尝试，这样会使你在同一个场景下拍出十多张。 这个习惯也是培养你动脑筋拍照片的一个过程。初学者不可能像摄影大师那样拍照片胸有成竹，在尝试 不同的拍摄结果的同时，也是你积累经验，丰富想象，提高技巧的过程。

　　乱的构图要素组成一个可以理解的整体；构图是对这些要素的反应过程，也是想方设法组织这些要素的 过程，目的是让这些要素向人们传达摄影家已经体会到的兴奋、崇敬、畏惧、惊异和同情。构图所表现 出来的气氛有时是平静的，有时是有力的或坚定的，有时也可以是活跃的。自然界本身会向摄影家展示 出所要表达的情绪。 通过构图，摄影家澄清了他要表达的信息，把观众的注意力引向他发现的那些最重要的最有趣的要 素。 有人把绘画的构图和摄影的构图相比较，得出摄影的构图是减法的结论，是对大千世界自然景物的提 炼。这句话是有一定的道理的。无论是加法还是减法，目的只有一个，就是通过构图再现自然给我们的 感受，并用相机将这种感受传达给观赏者。 风光摄影的空间划分 方形或长方形的取景器中，将自然景物合理地分布其间，这就是风光摄影的空间划分。自然的空间 安排，其内容不外乎大地景物和天空之间、地面上的景物与景物之间的比例关系。比如，在画面布局上 是天多地少， 还是天少地多， 应根据实际情况和个人主观来决定。 一般性的空间划分规律是哪部分精彩， 哪部分所占面积就应大些。但有一点值得注意，风光摄影的主体是大地上的自然景观，天空更多的时候 是作为一种陪衬，因此当天空部分没有我们需要的创作要素时，就应将其从构图中彻底剪掉；如果天空 作为画面主体， 我们也应该在画面上保留部分大地的景物。 没有大地的衬托， 天空的表现力会大打折扣。 拍摄地面为主的风景时，也要考虑景物与景物之间的空间距离感。利用镜头的焦距、空气透视关系 和放射性线条，最大限度地在画面中展现自然景观的立体空间效果，让观赏者有身临其境之感。 风光摄影主体的位置 影创作无论表现什么内容，什么对象，都有主次之分。主体是画面的重点，是主题思想的主要表现 者。主体可以是一个，也可以是两个、三个或若干个。主体景物的地位在画面中也应优于其他景物，处 于明显的地位。但并非是主体都必须安排在画面中央，那样反而呆板，也不符合美学要求。关于主体在 画面中摆放的位置，人们常用的方法是把画面划成一个“井”字，把主体摆在井字任何一个十字交叉点 上。这种处理主体的方法是值得参考的。具体摆放位置，我们也要因景而异，因情而异，既要注意美学 规律，也要敢于突破创新。 风光摄影的陪体 陪体是指确定了主体之后的其他景物。 陪体在画面中属第二位的，但对画面中突出主体的作用极 为重要。它主要起衬托主体、协助主体完成表达作者情感的任务；此外，还要在可能的情况下，装饰美 化画面，统一色调，表现气氛和表现深度空间，掩盖某些不足。因而，陪体的选择不应和主体同一颜色、 同一影调、同一形状，而应有所区别。主体和陪体的关系，既相互矛盾，又相互依存。 风光摄影的景深 在感光材料上结成比较清晰的影像，这个结像清晰的景物范围的纵长深度，叫景深。也就是说，我们拍 摄一张风景照片时，从最近清晰的景物到最远清晰的景物之间的距离，就是景深的范围。 大多数风光 摄影要求景深范围越大越好，如果有可能最好让画面中的每一部分都清晰。影响景深的因素有以下几个 方面：光圈的大小，焦距的长短，拍摄的距离。 光圈越大，景深越短；光圈越小，景深越长。镜头的焦距越长，景深越短；焦距越短，景深越长。 拍摄的距离越近，景深越短；拍摄的距离越远，景深越长。综上所述，在拍摄自然风光时，为了最大程 度地获得全景深，即照片的最大清晰度范围，最有效的方法是使用短焦距的镜头（广角镜头） ，采用小 光圈（F11、F16、F22） ，拍摄较远距离的景物（大约两米以外） 。以上三种方法同时使用，可确保照片 的最大清晰范围。 风光摄影的空气透视 空气透视是指远处物体细节模糊不清的一种现象。摄影者与景物之间的距离越大，该景物的光线需 要穿透的空气层就越厚，远处的景物好象是沉浸在一片蒙蒙雾气之中，空气透视会让远处的景物变得模 糊不清。但正是这种近处清晰远处模糊的视觉现象，给我们的照片提供了深度空间感，摄影家也正是利 用了这种视觉现象，拍出了具有立体空间效果的风景图片。 在自然界中， 除了拍摄距离的远近影响空气透视效果外， 天气的变化在一定程度起了决定性的作用。 晴朗有风的天气下，空气透视度好，拍出的风景清晰度就高；有雾的天气空气透视度差，拍出的风景空 间清晰度有限。因此，掌握了空气透视度与拍摄的基本关系后，我们可以在任何天气情况下自由选择拍 摄场景，即空气透视度好时，可以拍摄大场景及远景的照片；空气透视度差时，则拍些小景和近景的照

　　熟练掌握这个技法，用横竖各两根直线平均将画面分成九个格，直线交汇的各点就是最能吸引人目光的 地方。 只要将拍摄主体或画面中的最重要元素放在其中任一点附近， 观赏者的目光必然会注意这个主体， 照片的构图也就会在视觉上显得和谐。有一些数码相机的取景器中甚至直接就有这些辅助构图的线条。 当然还有许多其它办法来突出主体，只要你用心尝试，一定会发现许多经验。

　　19.向心式构图。主体处于中心位置，而四周景物呈朝中心集中的构图形式，能将人的视线强烈引向主 体中心，并起到聚集的作用。具有突出主体的鲜明特点，但有时也可产生压迫中心，局促沉重的感觉。 20.放射式构图。 以主体为核心， 景物呈向四周扩散放射的构图形式， 可使人的注意力集中到被摄主体， 而后又有开阔、舒展、扩散的作用。常用于需要突出主体而场面又复杂的场合，也用于使人物或景物在 较复杂的情况下产生特殊的效果等表现手法。 下面举例说明一下具体风光的拍摄 一.怎样拍雨景 雨天时拍的照片,因为雨水的反光,远处景物明亮而影像朦胧,画面的景物,色调浓淡有致,别有一番 风味 拍摄雨景时,要注意以下几点 1. 雨天光线变化很大,有时雨景亮度很高,而乌云密布的倾盆大雨亮度又很低,两者之间的曝光量 可以相差很多倍.因此拍摄时,最好使用测光表测光.

　　三、广告摄影的特征 艺术在诞生之初，总是以个体的客观世界为其创作对象的。以纪实为主要特征的摄影艺术，似乎天生就 是一门具象艺术。当年尼普斯摄下的第一张照片，就是他工作室窗外的客观世界的真实写照。但是，从 上世纪末到本世纪初， 一批摄影家已不再满足于摄影这一“五分钟的玩艺儿”的“简单复制”了， 他们开始了 一种被称作“抽象摄影”的艺术尝试。然而事与愿违，“抽象摄影”最终被证明是没有艺术生命力的，它并没 有造就出摄影艺术领域里的凡高、毕加索等抽象派艺术家。相反，随着摄影技术的完善和摄影家艺术素 质的提高，具象摄影越来越表现出它诱人的艺术魅力，诞生了一大批象优素福·卡希、安塞尔·亚当斯等 著名的摄影艺术大师。在摄影艺术的专业摄影领域里，由于生产、科研、文化、教育、安理会等社会经 济、 政治、 文化生活的广泛需要， 摄影的纪实性牲得到更加充分的体现与完美的发展。 以广告摄影为例， 它既要求表现清晰、逼真的客观形象，又必须具有妩媚、生动的艺术效果，只有这两者的有机结合，方 能达到视觉传达信息的目的。广告摄影这两个要求，正是它作为一门专业摄影艺术应该具备的专业性和 艺术性两个基本特征。 专业性特征 广告摄影不同于艺术摄影，不以审美为主要功能，不以反映摄影家个人趣味、情感与思想 为主旨；而是以传播广告信息为主要功能，以反映广告对象的共同意愿为主旨，这是广告摄影作为一门 专业摄影的前提。

　　光线照射的方向与照相机拍摄方向一致的光线称为顺光。 光线照射的方向与照相机拍摄方向一致的光线称为顺光 由于顺光式被摄物体正面受到均匀的照明，景物的阴影被投在背后，所以顺光拍摄的画面很少有阴 由于顺光式被摄物体正面受到均匀的照明 所以顺光拍摄的画面很少有阴 影，正面往往比较明亮。画面的层次主要依靠被摄物体自身的明度差异或色调关系来传达 画面的层次主要依靠被摄物体自身的明度差异或色调关系来传达。 画面的层次主要依靠被摄物体自身的明度差异或色调关系来传达 顺光拍摄的优点式画面中影调柔和，能较好地传达景物本身的色彩。 顺光拍摄的优点式画面中影调柔和 但在有些时候，利用顺光拍摄风景 利用顺光拍摄风景，如果前景部分处于阴影里，背景的景物比较明亮 背景的景物比较明亮，则景物的空 间立体效果会有所改变。另外，采用顺光拍摄时 尤其是低照光线的顺光很容易将利用侧光拍摄风景 采用顺光拍摄时，尤其是低照光线的顺光很容易将利用侧光拍摄风景

　　距、角度的镜头获得的，它对空间的改变是相当有限的。数码摄影飞速发展的今天，摄影的表现力与创造性也大大提升了。 创造摄影空间的视觉语言元素大致包括景深、光线、投影三个方面。 景深

　　在大多数商业人像摄影中常常能看到主体很实而背景很虚的作品。 这就是景深在作怪， 它是摄影领域中独有的一项技术。

　　它通过摄影镜头的长短、光圈大小，对纵深空间清晰度的控制，使摄影空间中的对象发生虚实变化从而使画面的主体突出，

　　振镜.因为它可以吸收雪地反射的偏振光,降低雪的亮度,调节了影调,而偏振镜又不影响原景物的颜色. 加用偏振镜可以使兰天里的白云突出,还可提高色彩的饱和度. 3. 曝光时,应以主体作为曝光的依据.如果画面中以人物为主,应以人物的亮度作为曝光的标准,适 当照顾雪景.如果以雪景为主,应按雪景亮度曝光.如需要人与雪景兼顾时,可考虑折衷数字.为了降低雪 与暗处景物的反差,可采用增加曝光,减少显影的办法.增加了曝光量,可照顾了暗处的影纹密度;而减少 显影时间,又可抑制了亮处影纹密度的显现.这种办法可以在一定程度上减弱了雪景的反差.一般曝光量 可增加一挡到两挡,显影时间最短不可短于正常显影时间的 1/3. 4. 拍摄漫天飞雪的景致时,快门速度不要太高,一般要在 1/60 秒以下这样可使飞舞的雪花形成一道 道线条,有雪花飘落的动感.要选用深暗的景物为背景,这样才可以把白色雪片衬托出来. 5. 利用带雪或挂满冰凌的树枝、树杆、建筑物等为前景,可以提高雪景的表现力.因为这些前景不 仅能使画面产生变化,增加空间深度,而且能增强人们对雪景的感受. 6. 如果拍摄的画面只是单一的雪原、雪山时,雪的本身的反差又很小,这时要有意识地选择好衬景. 要使雪景与周围灰白色调的景物区分出来. 四.怎样拍月景 月亮本身不发光,而只是反射太阳光,所以它的亮度很低.如果以中午时的日光与满月的明朗月光相 比,日光要比月光亮六万倍.月光亮度极低,拍摄月景时必需要长时间曝光.但是因为地球在不停地转动, 长时间的曝光,会使月亮在画面中移动,而形成一条光带.所以一般拍摄月景,多使用两次曝光法. 五.怎样拍闪电 拍摄闪电前,一定要通过观察,摸清闪电的活动规律,以便作好准备工作.

　　黄金海岸 运用好黄金分割构图，也可以为你的画面加色不少。试想 试想，如同上图，如果将两个 风光片中，运用好黄金分割构图 人物置于中间，海水沙滩对半分开， ，画面就会显得直接，对称，缺乏想象空间 缺乏想象空间。所以作者将人物置于画 面的右切割点， 表现了大面积的海水令人仿佛听到了海潮声， 表现了大面积的海水令人仿佛听到了海潮声 海风呼呼的吹， 男女主人翁携手漫步其中， 男女主人翁携手漫步其中

　　在对色彩反应的差别上，每个人是不同的。人们在传统上把线条比做男性，把色彩比做女性。它与一个人的个性、经验

　　有关，是相当个人化的。法国现代派画家马蒂斯曾经说过：“如果线条是诉诸于心灵的，色彩是诉诸于感觉的，那你就先画

　　线条，等到心灵得到磨炼之后，它才能把色彩引向一条合乎情理的道路。”法国画家普桑也说道：“在一幅画中，色彩从来

　　的例子是“乌纱白扇俨然官，不倒原来泥半团，将汝忽然来打破，通身何处有心肝。”（齐白石画诗）；螃蟹·寓 “看你横行到几时？”鹰，“高飞应有云霄路，托足何劳借一枝”（清·田雯·《山脚晚行》）

　　其次是色彩与用光，以及色彩的组合，对情绪影响是很大的，如对红、橙等颜色最能引起视觉兴奋，而 蓝、绿感到舒适等，通过色彩刺激作用而进行的搭配，构成了色彩的情感意义。 在前面的各讲中，我们多次涉及到，在人类的历史生活中，文化意识使色彩具有了某种象征性的含意， 使色彩成为特定的符号，如红色代表喜庆，白色代表纯洁等等。不同国家，不同民族，不同时代，对颜色有 不同的情感。

　　情绪的过程。过程是有时间，如黄翔的《十月螃蟹》表现的是煮熟后在餐 桌上，是结束了螃蟹横行之后，这 是一个知觉和情绪的过程。 摄影家在安排或构思这些思想荷载体时 ，不是另一些并列的因素

　　第二， 静物作品的表现力， 不仅荷载作者的思想， 对观赏者来说， 也能够理解， 哪怕是做了相反的理解。

　　如果一幅作品，拍照时作者很激动，却无一个知音，就不能说它表现力很强。因为静物摄影作品，不是论文， 不能论证，只能展示，它只能靠表现力，使其表现得非 人都可以看到这个形式及其情感。 常抽象，非常有力，以致任何有正常艺术感受力的

　　艺术就是情感的升华，情感的表现，摄影家的工作就是创作情感的符号，这种符号创作需要各种相应的 技术、技巧。反过来，各种技术技巧的运用，必须服从于情感的表现。 第三，形式表现。如果说：音乐是一种艺术，而不是噪声的组合。”那么静物摄影也同样，要想成为艺

　　某种意识， 它不会带来欲望， 因为它本身是完整的， 如果一旦被摄人“镜头”， 这种 文 化 意识就得到了升华， 通过知觉，得到了满足。这种满足往往潜在于画面的空白处，如果在画面上什么都有了也就没有欲望了。

　　知觉是审美的运动过程。美感是一种较为复杂的心理活动，它是由于艺术形象对视觉的刺激所引起的情 绪变化，并促进形象思维的展开。

　　4：拍摄时间 应该说问题都不大，自然光拍摄最好是上午 10 点 下午 3 点。当然这个并不是完全规定的。主要 是要记住这 2 个时段光线不是太硬，而且可以有一定的阴影，可以表现人面部的轮廓。

　　5：服装 这个问题也不大，不过原则是尽量简单素雅。不要抢了人脸的风头，当然服装摄影、或者其它用 途的摄影除外。 暂时就想到这么多，陪妈妈出去理发了。等会儿回来收砖头！

　　摄影不仅是一种具有高度艺术价值，而且具有高度社会价值、历史价值与文化价值的艺术形式。

　　对于人像摄影来说，正像人的命运与人的性格千差万别一样ayx爱游戏，每张面孔都带有不同的印记。伟人与百姓的面孔， 代表了不同的生活阅历与人生经验，能够在一张照片中反映出文化意识、社会意识、命运意识，不仅可以丰富人像摄 影的内涵，同时也会促使人像摄影形成了特有的表现形式。能够体现出这种审美特性，在于摄影家对于人类特别是普 通人生存状况、生活环境的真切观照。

　　利用侧光拍摄风景 光线照射的方向与照相机拍摄方向成90度左右的光线称为侧光，受到侧光照明的景物有明显的明暗 光线照射的方向与照相机拍摄方向成 受到侧光照明的景物有明显的明暗 对比。这种光线能很好地表现被拍摄景物的行政 这种光线能很好地表现被拍摄景物的行政、立体感、质感，光影结构鲜明 光影结构鲜明、强烈。 由于侧光照射，景物的背光面会留下影子的形态 影子的长短以及影子与景物本身会构成丰富多彩 景物的背光面会留下影子的形态，影子的长短以及影子与景物本身会构成丰富多彩 的造型效果。 利用侧光进行拍摄也有不足之处，景物的受光面与非受光面存在较大的光比反差 利用侧光进行拍摄也有不足之处 景物的受光面与非受光面存在较大的光比反差，这个差距往往会 超过胶片所允许的宽容度范围，顾此失彼 顾此失彼，景物中的层次、质感会有些损失。 。 侧光是拍摄风景时经常使用的光线之一。为了准确把握景物的光影效果， 侧光是拍摄风景时经常使用的光线之一 ，侧光拍摄的曝光计算非常 重要。具体地讲，用点侧光测得的数据和曝光补偿都要考虑进去 一般的规律是：侧光拍摄时，应以景 用点侧光测得的数据和曝光补偿都要考虑进去。一般的规律是 物的高光部分进行点测光，并在此基础上增加半级曝光 并在此基础上增加半级曝光。 光线的照射方向和相机的拍摄方向大致构成垂直关系的光线称为顶光。这种光线一般在中午前后出 光线的照射方向和相机的拍摄方向大致构成垂直关系的光线称为顶光 这种光线一般在中午前后出 现。 顶光实际上也属于侧光的范畴， ，只是光的投射方向是自下而上的，景物的上方会比较明亮 景物的上方会比较明亮，下部会 留下浓重的阴影。 在风光摄影中，顶光是较难利用的光线 顶光是较难利用的光线。但任何事情都不是绝对的，在选择适当的景物 在选择适当的景物，利用顶光 的照明特性，也能拍出理想的画面。 由于顶光是从上向下照射景物的，云层或自然景物本身的遮挡 。 云层或自然景物本身的遮挡， 会在地面上形成浓重的阴影，所以如何利用这些阴影也就成为拍摄的关键 地面上明与暗的存在，也正 所以如何利用这些阴影也就成为拍摄的关键。地面上明与暗的存在 是反差的存在， 明与暗的反差效果自然而然地给画面增加了层次， 明与暗的反差效果自然而然地给画面增加了层次 这就是利用顶光拍摄风景的价值所在 这就是利用顶光拍摄风景的价值所在。 怎样理解风光摄影构图 当然了，构图并不是摄影的全部，但却是摄影 但却是摄影的基石之一。任何人都能在短时间内学会各种快门光圈技 任何人都能在短时间内学会各种快门光圈技 巧，却不能在短时间内学会并创造出一幅构图优美的照片 却不能在短时间内学会并创造出一幅构图优美的照片。 维利·奎克指出 奎克指出，摄影者最易犯的错误是 拍摄的视点取得过高，与被摄体离得太远 致使画面出现各种各样与拍摄目的毫无关系的东西。他说： 与被摄体离得太远，致使画面出现各种各样与拍摄目的毫无关系的东西 “请记住，画家是把东西画进画面， ，而摄影者则是从画面去掉一些东西。” 他说：“一张照片应该只 ” 有一个趣味中心，画面上不能有无用的东西 如果你对某个物体是否有助于画面抱有怀疑，你就应尽可 画面上不能有无用的东西。如果你对某个物体是否有助于画面抱有怀疑 能地把它放弃掉。” 构图是在帮助我们把现有事物以一种重新整合的方式出现，并且通过整合让事 构图是在帮助我们把现有事物以一种重新整合的方式出现 并且通过整合让事物更加美观流畅。 总的来说，构图分为两大类：开放式构图和封闭式构图 两者并无高低优劣之分，只有在合适的景物面 开放式构图和封闭式构图。两者并无高低优劣之分 前采用了合适的方法才能创作出最漂亮的景色。 前采用了合适的方法才能创作出最漂亮的景色 开放式构图 VS.封闭式构图 之七嘴八舌 一：主体： 1.开放式构图不必非得把主体放在画面黄金分割中心或趣味中心的位置 开放式构图不必非得把主体放在画面黄金分割中心或趣味中心的位置 2.封闭式构图习惯于把主体放在黄金分割或趣味中心位置 稍后详解黄金分割和趣味中心等等知识） 封闭式构图习惯于把主体放在黄金分割或趣味中心位置（稍后详解黄金分割和趣味中心等等知识

　　第二，有呼应或照应。静物摄影作品，同样有两种情况，一种供看 ，一种供想，一种有情节 ，一种无 情节 。面对有情节的作品 ，必然产生联想

　　片。 测光是曝光的基础 拍摄者将相机取景器对准景物完成构图后，接下来要进行的工作就是测光。 拍摄者将相机取景器对准景物完成构图后 现代相机和专业测光表的设计原理是以18%的反光率为标准制定测量基础的 现代相机和专业测光表的设计原理是以 的反光率为标准制定测量基础的，也就是标准灰色板的 反光率。但在自然界的万千景物中， ，不同物质的颜色、感光和受光方向均不同 感光和受光方向均不同，所以，当我们面对错综 复杂、千变万化的景物时，如何测量被摄物体的反光率数值 就成为正确曝光的关键。 如何测量被摄物体的反光率数值，就成为正确曝光的关键 面对不同的景物和光线的不同照射方向，使用的测光方法也有所不同。当我们想知道被摄物的反光 面对不同的景物和光线的不同照射方向 当我们想知道被摄物的反光 率数值时，应该使用反射式测光方法 如果我们想了解太阳光或者天空光的照射强度时，应该使用入射 应该使用反射式测光方法；如果我们想了解太阳光或者天空光的照射强度时 式测光方法。无论使用哪种测光方法 无论使用哪种测光方法，都是曝光数值的相对依据，这个数值不一定是最正确的 这个数值不一定是最正确的。正确的 曝光数值应该是根据天气、 季节、 光照的面积以及测光的基准点等诸多因素加以综合分析后得到的数据。 光照的面积以及测光的基准点等诸多因素加以综合分析后得到的数据 以反射式测光为例，测光点的范围有时是被摄体本身 有时则是头顶的天空。比如需要以天空光的 测光点的范围有时是被摄体本身，有时则是头顶的天空 亮度为测光点，这种方式大多用在日出前和日落后 这一段时间大地上的景物没有阳光的直接照射，其 这种方式大多用在日出前和日落后，这一段时间大地上的景物没有阳光的直接照射 反射的光线强度不能被测光表准确把握 测光表准确把握，而天空部分则在太阳的照射范围内， ，可以有效地反应光线的强 度，这时，我们测量的方向应该是天空 我们测量的方向应该是天空，而不是景物。使用入射式测光还是反射式测光 使用入射式测光还是反射式测光，在实际创作活 动中都是有一定的规律可循的。阴天时 阴天时，天空的散射光线比较柔和，光照平均 光照平均，使用入射式测光方法比 较方便准确。如果光照比较强，无论是在逆光 无论是在逆光、顺光、侧光还是区域光的情况下进行拍摄 侧光还是区域光的情况下进行拍摄，采用反射式 测光方法比较好，因为反射式测光可以准确地测量出物体高光部分和阴暗部分的光比反差数值 因为反射式测光可以准确地测量出物体高光部分和阴暗部分的光比反差数值，为我们 因为反射式测光可以准确地测量出物体高光部分和阴暗部分的光比反差数值 准确地计算出正确的曝光数据提供可靠的依据。 准确地计算出正确的曝光数据提供可靠的依据 曝光是风光摄影的关键

　　条水平线 位置画两条垂直线，然后把景物尽量放在交点的位置上。 4）前景 因为我们有两个眼睛，所以我们看到的世界是三维，但照片是两维的，要在两维的照片里表达 出三维不是一件容易的事情。 我们的大脑告诉我们： 大的物体是比较近的， 小的物体是比较远的， 所以， 通过物体大小在照片里的对比，就可以让人感觉出出距离。 在摄影的世界里，长焦拍摄效果是把景物 ‘压缩’在一起，而广角的效果则是缩小了远处的景物，让人产生距离感。所以，在这种场合，我们一 般使用广角镜头 5）简单 有人说摄影是‘减法’，就是说画面上跟主题无关的物体最好全部去掉，越简单就越好。我同 意这个观点，特别是对初学者，构图更是应该从简单开始。 6）导入线 “导入线”顾名思义就是带领读者的目光进入画面的路径，导入线是一条小径，一条小桥，一 条小河。。或任何导入画面的物体。通常，导入线应该引导读者到画面最吸引人的地方，应该尽量避免 。 引导读者出去了画面外面。导入线是画面的一部分，所以导入线本身也应该是吸引人的，而且应该和画 面其他部分很协调的。 7）天空 在风景摄影里，天空是很重要的部分，很多时候天空是构图的主要部分，而自然界的很多自然 想象的美就足以让人震撼。所以，好的摄影爱好者，应该要时常留意天气的变化，这样就会总结到一些 自然的规律，例如雨后的晚霞是最漂亮的，雨后如果出太阳，你就会见到彩虹等等。。 。 8）纹理 世间万物都有纹理，美丽的纹理很容易能把人吸引，每讲到美丽的纹理，总让我想起沙漠的纹 理，可惜我还没有机会到沙漠拍摄。 9）负空间(negative space) 负空间是什么？简单来说，负空间就是物体之间的空间，负空间在摄影里通常是表现孤立的一 种手法。 在这个例子里，我把海鸥放在大约下１／３，左１／３的位置，然后利用周围白茫茫的的雾表达海 鸥的孤立状态。在这里，白茫茫的的雾可以看作是‘负空间’。 拍摄器材 CANON D30 CANON 70-200MM F2.8 140MM，ISO 200，F5.6，1/4000 秒 10）参照物 单凭照片里的景物，有时候我们很难判断物体实际的大小，而通过我们熟悉的参照物，对比后我们就能 ‘感觉’到景物的大小了。这种参照物通常用来表大自然的雄伟，壮观。 不管是什么规则，所以的规则的目的都是让画面的显得‘平衡’，至于什么为之‘平衡’，可以这样理 解：画面是的所有物体都是有‘重量’的，通过合理地安排，分布他们，就可以或得较平衡的画面，不 管用了什么规则，好的照片的整个画面总是显得平衡，和谐的。有句话说得好：规则是用来打破的，所 有的规则都不是死的，比如说：拍湖面倒影的时候，有时候就不可避免就需要把水平线放在中间。

　　像摄影创作意识的再认识人像摄影的创作意识，就是摄影者自我对客观人物生活形象，进行摄影造 型成 为艺术形象的物化过程中各种认识的反映。摄影者的创作意识是创作过程中的一种精神活动。

　　其创作观念要更新，要随着社会的发展而发展。并不断增新思维，巩固原有思维之运用，同时深化思维 和活化思维，使创作思维增加新的活力。且要出新审美认识，及确认人像摄影的美学价值。 键词：人像摄影 创作意识 审美认识 ·关

　　有一句俗话，叫“生命在于运动”，静物的运动是可以造化的，可以给任何一个不动之物以动，可以从人 们熟悉的状态中挣脱出来，向着前所未有的甚而是“不可能”的境界中突破。它可以让鱼儿天上飞，兔子水底 游。四季花常开，山移水转。 静物的生命力还表现在可以满足作者的任何构思需要，只要作者想得出，就办得到。

　　对摄影艺术来说， 表现就是生命， 表现力就是生命力， 静物摄影的表现力完全服从于作者的思维、 意志、 情感。

　　小时，影像质量下降明显，而为广告摄影所制作的摄影镜头，一般都具备极小的光圈和景深标尺、景深预测纽。这就为摄影

　　在以前的拍摄中我感到所有阴影都为拍摄者提供有关被摄体形状和结构的重要线索，而且往往成为被摄体及整个画面的

　　不可分割的一部分。特别是投射阴影能够反映出与其它物体之间的空间关系，还能够使空间发生变形，从而改变空间的原有

　　只起着一种吸引眼睛注意的诱饵作用，正如诗歌那美妙的节奏是耳朵的诱饵一样。”从以上著名人物的论述中不难看出，在 视觉艺术中，画面色彩是必须考虑的非常重要的元素。 空间在摄影画面中的运用

　　学过美术的人都知道，空间在绘画艺术中是十分重要的。摄影作品与绘画艺术空间有什么不同和相同之处呢？相同之处 很明显,就是它们基本上都是在平面上创造立体的效果;不同之处是绘画空间很大程度上是在创造,而摄影空间是利用不同焦

　　的《马踏飞燕》除马本身的造型外，将背景拉动，，如追随法所拍的一样，增加了动感； 1986 年第 6 期《国 际摄影》封面的《西红柿》 是用流水 ，从水龙头中流出 造成静物的“动”，有三种方法： ，流在西红柿上，水流动感很强。

　　第一，利用背景的动感效果衬托。所谓“动”，实际上是一种衬托的反应，不仅我们生活在地球上每时每 刻的动未被感知，就是坐在火车上、飞机上、船上，如果没有衬托物从眼前闪过，也不会被感知。所以许多

　　静物作品的第二个审美特征是“动感效应，”这“动”包括生动、动感、动向、动态、动作、动势乃至神动。 动，是意境的摇篮，意境是联想的源头 。朔其源，只有“动”，才能实现艺术创作的最高宗旨、引起联 想，思考。

　　在选题确定之后，从构图、用光 、结构组合等进行一系列地巧安排。《摄影世界》1984 年 2 期封面上

　　使自己的作品达到完美的境界。 我们常常看到一些香烟广告中出现的一些男性模特儿， 他们身上结实的肌肉及其富有线条感，

　　给人以视觉的冲击力。可见，线条不仅具有具体的，直观的表现力，而且能给人以想象的空间。线条作为结构画面的骨架，

　　不仅具有构成具体形象的作用，还具有对事物特殊意义的表现的功能。在这里，线条的作用是显而易见的，它在表现形象， 组织空间，结构形式，启发感情，甚至包括对人物的性格刻画方面都带来了意义。

　　就可循着意象的“轨迹”，最终进行具体造型而把意象物化为画面艺术形象。所以，在创作过程中同时 进行两种思维活动，显见十分必要和重要，这就是必须重视和巩固创作思维运用的缘故。 现代化

　　的摄影机械和冲洗设备，已进入电子化、自动化、数字化的时代，感光材料已从传统胶片感光（黑白、 彩色），向电子感光材料（CCD、CMOSE 等）过渡，照明工具也从钨丝灯到影室闪光灯进而转向数码室内 外闪光灯，这些都是近年来出现在人像摄影创作中的变化。这些变化不仅要求摄影者迅速了解和掌握这 些新器材的结构和性能，也要求摄影者在思维过程中，加深思维的缜密性、科学性和综合性。只有进行 缜密的分析、科学的推理、综合的判断等深化的逻辑思维，才能作出正确的结论来指导创作中的具体实 践，这是深化逻辑思维以利创作的一个方面。 回顾我国人像摄影发展的历程，由早期的追求照片

　　影响色彩饱和度的还有色温，色温也是色彩的一种组织系统。所有的颜色都可以分为“暖色”和 “冷色”。红色、橙色

　　和黄色使人联想到火和阳光，因而被称为暖色。而蓝色、绿色、青色等让人联想到天空、大海、青山等，而被称为冷色。这

　　种色彩的冷暖关系可以受到周围邻近色的影响而改变。它们的关系是相对的。单独的一块颜色无所谓冷暖，只有两种或两种 以上的颜色在一起时，色彩的冷暖才成立，两种颜色由于它们之间的互补关系而得到强化。

　　我们知道，书法和作画，力是体现在笔端的，而作者是全身用力，君不见，有些人在作画时口、眼，甚 至头部都一起用劲。但摄影不能这样用劲，这样用劲必然拍虚，摄影家的力是意念和意志。一幅好的摄影作 品，一定有一个力点，即摄影家的力的所在。这个点，可能表现在画面的某一点，也可能表现在画外。比如 《东方红》的力点就在“红”上。就象练气功，功发自丹田，而得气或发出的功是在他的意念上。

　　线条在画面中所起的作用，还在于使画面产生视觉上的均衡感。通常口香糖广告就是如此，在画面中通过线条的排列组

　　织和分割，使摄影构图符合人的视觉平衡；通过线条的聚合和分散作用，引导人的视觉去注视画面的主体，从而达到广告的 真正目的。

　　其实广告摄影的最终目的是让人看了舒服，对其表现的事物产生好感。一张好的摄影广告构图，其形式应该是尽可能的

　　是： 引起“注意”， 在众多的展品中， 首先将观者的注意力“抢”过来。 争夺视觉最有力的是光、 色彩， 而后是形、

　　线。如强烈的光、鲜艳的色彩、奇异的造型，它必须是人们熟悉的或能够理解的，而在表现方法上是独特的。 （三）幻象的力——想象力 这不仅是在静物摄影中，可以说在一切摄影艺术创作中都是重要的。

　　这种幻象，一是在画面空间，在构图上，留给观赏者去探求的视觉空间，在中国画上，常常留有大面积 的空白，这些空白，有时被想象为天空，有时被想象为水，象齐白石的虾，在中国京剧中，也常常利用这种 幻象，两手一抓、观众就看到门，两手一堆就看到了窗，两手一拉就“听到”了箭离弦的声音。

　　“三分法则”实际上仅仅是“ “黄金分割”的简化版，其基本目的就是避免对称式构图 其基本目的就是避免对称式构图，对称式构 图通常把被摄物置于画面中央，这往往令人生厌 这往往令人生厌。在图 C1 和 C2 中，可以看到与 可以看到与“黄金分割”相关的有 四个点，用“十”字线标示。用“三分法则 来避免对称在使用中有两种基本方法，第一种：我们可以 三分法则”来避免对称在使用中有两种基本方法 把画面划分成分别占 1/3 和 2/3 面积的两个区域 面积的两个区域。

　　，前者为动物的现象 ，后者为静物的现象。在静物摄影的画面上，如何把这种节奏表现出来，这 是

　　静物摄影创作能否表现出“ 活”的关键。仍以钟摆为例，推动钟摆达到运动最高点的动能，变成把它重新荡回

　　来的势能，动能支付为转折点和下摆做了准备。就最高点来说，它有一个短暂的停止时期 ，作摆回的准备， 给我们的感觉是静止的，只有错过这一点，才有动的感觉。要在拍照时 ，快门时间与摆动时间配合默契 就能表现出钟摆在活动。但它的摆锤绝不是在最高点上，如果在最高点上，必然成静止状态 影像才有动的感觉。

　　开放式构图 VS.封闭式构图 之分门别类 开放式构图由于没有统一的样式要求，所以并未形成具有特色的流派。 开放式构图由于没有统一的样式要求 。下面来分享几个颇具特色 封闭式构图手法。 黄金分割： “黄金分割”公式可以从一个正方形来推导 将正方形底边分成二等分，取中点 X，以 X 为圆心 公式可以从一个正方形来推导，将正方形底边分成二等分 （……此处省略公式推导过程数千字 此处省略公式推导过程数千字）作一线段交于对角线，这样就把矩形分成了三个不同的部分 这样就把矩形分成了三个不同的部分。 现在，在理论上已经完成了黄金分割 下一步就可以将你所要拍摄的景物大致按照这三个区域 在理论上已经完成了黄金分割，下一步就可以将你所要拍摄的景物大致按照这三个区域 去安排，也可以将示意图翻转 180 度或旋转 90 度来进行对照。

　　图形构图 20 法 1.平衡式构图。给人以满足的感觉 给人以满足的感觉，画面结构完美无缺，安排巧妙，对应而平衡 对应而平衡。常用于月夜、水 面、夜景、新闻等题材。 2..对称式构图。具有平衡、稳定 稳定、相对的特点。缺点：呆板、缺少变化。 。常用于表现对称的物体、 建筑、特殊风格的物体。 3.变化式构图。 景物故意安排在某一角或某一边， 景物故意安排在某一角或某一边 能给人以思考和想象， 并留下进一步判断的余地。 并留下进一步判断的余地 富于韵味和情趣。常用于山水小景、 、体育运动、艺术摄影、幽默照片等。 4.对角线构图。把主体安排在对角线上 把主体安排在对角线上，能有效利用画面对角线的长度，同时也能使陪体与主体发生直 同时也能使陪体与主体发生直 接关系。富于动感，显得活泼，容易产生线条的汇聚趋势 容易产生线条的汇聚趋势，吸引人的视线，达到突出主体的效果 达到突出主体的效果（例如 聚光灯照射主体） 。 5.交叉线构图。景物呈斜线交叉布局形式 景物的交叉点可以在画面以内，也可以在外。前者有类 景物呈斜线交叉布局形式，景物的交叉点可以在画面以内 似十字型构图的特点，后者类似斜线构图的特点 后者类似斜线构图的特点，能充分利用画面空间，并把视线引向交叉中心 并把视线引向交叉中。ayx爱游戏ayx爱游戏