美学是哲学的一个分类，包括对艺术本质、艺术体验和愉悦体验的研究。我理解的美学，同时还是一种政治学，有助于破除审美上的意识形态。但问题的定位是「初入摄影」，初学者一般目的都是提升手艺。

　　的确有一些对摄影媒介的认识与摄影实践息息相关，是学院里的高谈阔论，也是作坊里的手艺心得。不能轻视后者，通过直觉和实验精神，即可收获后文所说的某些美学认识。但要看哪种作坊。网络上大量堪称流毒的教育内容，由一些沾沾自喜的外行传授。这些东西构成了审美上的意识形态，阻碍了初学者的直觉和实验精神，形成低水平的手艺循环。

　　可谈的东西太多，我挑选了一些条目，尽量贴合实践。我的回答里，在简要文字的基础上，还尽量提供图片例证，参考书籍、文章和艺术家。

　　需要特别指出的是，本文一部分内容来自于两本书的启发——John Szarkowski 《摄影师之眼》和Stephen Shore的《照片的本质》，后者的写作也参考了前者。这样的书才是初学者应该反复阅读的，而不是什么人云亦云的《论摄影》和《明室》。

　　「一幅图画——在其成为一匹马、一个裸体女人或某种奇闻逸事之前——说到底，是一个涂满了以某种秩序安排的色彩的表面。」这是现代绘画关于「平面性」的名言，由高更的朋友，纳比派的理论旗手莫里斯·德尼所说。而抽象表现主义的理论旗手格林伯格将「平面性」与「三维性」对立起来，认为「三维性」这种基于透视的「三维空间幻觉」属于雕塑的范畴，应该从绘画中剔除。出于一种纯洁自身的需要，现代主义绘画不再满足于画马或者裸体女人，开始走向抽象，因为具象依赖于空间幻觉。

　　相比绘画而言，摄影无法剔除「三维性」。摄影总是具象的、空间幻觉的东西，这是媒介性质决定的。但是三维空间里的光线通过镜头聚焦，最终要落实在一个平面上，而平面带来了几何：线条和图形。讨论摄影的空间性质，总是同时关联着「三维性」和「平面性」、具象与抽象的两分法。一些摄影师关注摄影媒介的这种悖论性质，代表人物是Stephen Shore和Wolfgang Tillmans。

　　很多人将「平面性」理解为何藩或者韦斯顿所拍摄的一些东西，网络上的构图实例多半属于此类。我以为这不是摄影的特质，因为所选择的物体太过「平面性」而丧失了「三维性」。可以将摄影的「平面性」理解为一种视觉魔法：三维空间投射在平面时制造的偶然性，将不同空间深度的物体汇聚成几何。这需要身体和相机的移动，站在萨考夫斯基在《摄影师之眼》中所说的「有利位置」上。建议拿着手机在室外，通过位置移动去体会一下，相机App屏幕外和屏幕内的视觉观感有何区别。

　　Joel Meyerowitz的这张照片，一个倒地的男人成为能量螺旋的核心，人体的连线和视线汇聚、交叉，像是上图静物的街头版本：两者都有一个X形。「艺术与熵」这个标题是意味深长的：摄影的艺术或者秩序，对应着世界的无序。

　　棒球挡网的纹理和不同深度的梁柱组织着「平面性」，挡网的缺口暗示着这个平面被深度所破坏，然而，远处的建筑仍然和近处的平面有着线条的连接。绕着球网跑的球员也吻合着球场上的线条，但他们同时也有一种秩序中的活跃感，就像是一群被网住的鱼。这张照片将远与近、动与静统一在照片的平面中ayx爱游戏。

　　Stephen Shore的《不寻常之地》中通过景观摄影去讨论摄影媒介。此张正面拍摄建筑，削弱了建筑的立体感，同时赋予一种平面性：几个横向的矩形。

　　电线杆和人连缀成线，并将画面切割成三个部分，这成为Shore组织街头画面的一种惯常构图。

　　街道、电线杆、飞机的航迹，像是从画面右下角的喷射出来的一个能量甬道，画面中的人物、阴影，都服膺于这个能量，都呈现相同的线条秩序。

　　Wolfgang Tillmans的作品，是不断在具象与抽象之间，立体与平面之间的摆动。此张照片，因为特殊的位置，呈现了极致的平面效果。猜测是从男子的上身往下拍，拍到了粉色的上衣、三叶草的运动短裤，膝盖和腿。

　　并不一定非要这么极致的方式来呈现摄影的特质。既然是摄影的内在属性，它一定呈现在日常的经验中，虽然人们经常是无意识的运用这一点。即使在下面这张简单的照片中，摄影也在叙述着自己：

　　格林伯格《现代主义绘画》。虽然此文讨论无关摄影，但可以作为理解摄影媒介的基础。

　　塞尚说：「人必须在大自然中发现圆形体、锥形体和圆柱体。」这句话启发了立体主义。它可以被改造为摄影的律条，有经验的摄影师都知道：「人必须在大自然中发现直线、弧线、圆形、三角形。」艺术追求愉悦体验，摄影为了提供愉悦体验，「平面性」体现为几何形状摄影知识。

　　进而，这些几何图形可以基于重复组合成一个集合，同时也可以在重复中产生变奏。Wolfgang Tillmans的作品就经常利用图形的重复与变奏。

　　Harley Weir的这张时装照片，手的弧线与腿的折线分别根据各自的重复，但两者之间并不产生联系，可以视为不同集合，但仍然制造了愉悦感。

　　上述例证，涉及到了对于图形的知觉，这属于格式塔心理学的研究内容。实际上，所有的平面构成，涉及到构图、姿势、眼神，以及它们和边框的相互作用，在各个层面上都可以被格式塔心理学所解释。构成行为，即是在画面中制造一个「格式塔」（德文Gestalt，意为动态的整体）。

　　摄影依赖知觉，而不依赖关于知觉的美学。对于具体拍摄来说，需要时刻注意到图形和几何就够了。通过对图形愉悦感的直觉和实验，就可以收获关于图形的经验，并不需要懂得——例如上述例证实际上指向了格式塔心理学里所讨论的一个子问题：相似性（Similarity）和差异性（Difference）。这也是鲁道夫·阿恩海姆在《艺术与视知觉》序言中所强调的艺术家与心理学家的区别。但他也不乏自诩，认为他把艺术家说不出来的直觉说清楚了。

　　构成行为中，在图形感知中伴生着对力的感知，力来自于图形关系。一开始，我把这种力命名为「劲儿」，是我对个人经验的口头概括。直到翻看了《艺术与视知觉》，才发现鲁道夫·阿恩海姆将它命名为「心理力学」。

　　仅仅简单举例一个心理力学层面上的应用：张力。蚊子比水的密度大，但不沉入水下，因为水面有一个内缩的张力。张开的弓让我们感受到蓄积的力，也来自于以张开对抗内缩的紧张感。肖像摄影中的眼神和姿势，其情绪空间，构成上看来自于力的矢量之间的夹角。最简单的例子：一个歪头的动作，改变了经验中受重力影响垂直的头部线条，因此制造了心理力。

　　Harley Weir的这两张照片，视线和身体的朝向线条大体一致，但仍然有一个角度的差异，这制造了一种微妙的情绪张力。我曾在讨论眼神的live里定义眼神的规律为：头部的位置和视线的落点。用我现在的话来说，眼神的情绪来自于头与脖颈之间，视线与身体朝向线条之间制造的两个张力。

　　心理力学体现在摄影构图中，是主体图形、留白和边框之间的力学平衡关系。对平衡的感知，如阿恩海姆所说，只能通过反复移动的「试误」来完成，就像把一个扁平物体放在手指尖上移动去找到重力支点一样。然后我们才可以总结规律，而不是相反。

　　大量初学者被教导遵照九宫格或者三分法来构图。我总是觉得，效果并不好看。我拍得很随意，但有一个阶段，我有意识地破坏三分法的平衡感，将主体放在三分点和中点之间，大概是四六开的位置。我原以为是为了获得一种新鲜感，很晚之后才悟到，这是黄金分割：被分割的两部分小与大之比约为0.618。黄金分割也可以用斐波那契数列来表述，即0、1、1、2、3、5、8、13、21、34、55、89、144……从第3项开始，每一项都等于前两项之和。随着数列项数的增加，前一项与后一项之比越来越逼近黄金分割的数值 0.6180339887..…观察数列前列的比值：1:2比值为0.5，这是三分法；2:3比值为0.6，即我所说的四六开，已经非常贴近黄金分割了。可见，三分法可被视为误差较大的黄金分割。

　　并不是说要以黄金分割作为构图的新依据，上述例子恰恰想要反对任何教条。关键是在构图行为中对力的感知，通过反复移动镜头的「试误」去感知力的平衡。这是直觉，请训练和依赖你的直觉。特别是在更复杂的环境中，从来不存在什么构图规律。那些三分法、九宫格、圆形构图和S型构图都是政治说教式的胡言乱语。

　　我在另一篇回答里介绍过一些复杂的例子。如果过于强调平衡，那么就丧失了力的动感。动感与平衡，两者相辅相成。

　　这里介绍一下边框对平衡的影响。214的这张，如果单看汽车的话，它是极端的、失衡的。汽车与边框临近、挤压，制造了强烈的心理力/吸引力。但是如果整体观看，会意识到，房子和群山是画面的主体，是温和的、平稳的，它们平衡了边框处的汽车。

　　类似的例子都是有一个主体架构，线条朝向中心，然后在边框处，有着旁逸斜出的冲破架构的力。于是达成一种动态平衡：在制造心理力之后的平衡，或者，平衡之后给出了力的强度。单执一端，要么失衡，要么无趣。

　　如同前面所说，边框参与了力的作用。另外，如Stephen shore在《照片的本质》中所论述的，边框线会与边框内图形的线条产生视觉关系。

　　Talia Tratrit的这张时装照片，胳膊与身体构成了两条直线，胳膊的线条垂直于水平线。因此，胳膊的线条还与墙角的线条，以及边框线是一种平行、重复关系。

　　在萨考夫斯基这里，边框被提升为摄影媒介的本体特征以区别于绘画：「『取舍』是摄影技法的本质。……制图员制图必须从纸的中间开始，而摄影师则是由边框开始的。」因为取舍，边框制造了不完整的裁切和留白，制造了平衡和恰如其分。

　　不仅仅是视觉，在内容关系上，边框是摄影蒙太奇的工具：「边框，孤立出出人意料的并置。通过围住两个事实制造出一种关系。」罗伯特·弗兰克的这张照片是《美国人》的最后一张，拍摄了陪同他公路旅行的妻子和儿子。这是陪伴和爱的主题。对汽车的裁切和对左侧的留白，制造了现代快照的力学感受。但其实也围住了与主题相关的两种核心物体：汽车与公路。

　　边框是对摄影媒介最本质的认识之一，《摄影师之眼》一书中给出很多精彩的照片范例，值得反复揣摩。

　　正如安东尼奥尼的电影《放大》所暗示的，摄影面对物体，经常就像是面对一个罪案现场。真相不可知，你无法拍摄到故事，你能拍摄的只是表面，只是散乱的线索和踪迹。萨考夫斯基将照片的叙事能力和细节描述（description）能力对立起来，照片弱于前者而长于后者：「照片在记录琐事时的惊人清晰度暗示着：被摄对象此前并未被恰如其分地观看，实际上它可能并不琐屑，而是充满未经发现的意义。如果说照片不能像故事一样被阅读，它们却可以被作为象征阅读。」

　　约翰·伯格和David Campany对于照片都有着类似看法。约翰·伯格没有使用象征这个词，而是表述为「神谕」，联系着在文字出现之前，人类早期的读图时代。David Campany则谈到：「单张照片的静止和沉默可能会使其叙事潜力降低到暗示和迹象的程度。」在评论Todd Hido的文字里，他说：「静态摄影不受叙事的桎梏，因为其本质在于被发现之物的物性（Thingness），它仅在描述与建议中解决。更进一步，它的沉默、稳固与言说世界之喧嚣迥异。」在《摄影与电影》一书中，他首先谈到了区分摄影与电影的两分法：摄影是静止的，而电影则关系着叙事和运动。虽然任何两分法最后都需要弃之不用，但我们仍然可以借用这个临时拐棍，将静止与运动、沉默与喧嚣、描述与叙述、物性与故事、象征与叙事性对立起来。

　　当代摄影整体的趋势是从街头摄影的运动性转向景观、静物和雕塑的静止。正如当代前卫电影里的长镜头代替了战前的蒙太奇一样，对那些描述性画面的凝视和思考，取代了快节奏和戏剧性。

　　杨露晞这张形式上有些相似，但是井口不同于镜面，导向了神秘、危险和心灵的树洞。两张照片，它们的反射和内陷，都反映了摄影的沉默气质。

　　Alec Soth在他为马格南做的教学视频里说到：「摄影拍摄的不是事物，摄影拍摄的是事物所在的空间。（大意）」空间感受与视角相关，也与距离相关。广视角镜头，空间显得宽广深邃，中长焦镜头则提供了反向效果。当摄影师与主体更近，摄影师显得临近空间，而主体则增强了脱离空间的感觉。反之，主体和空间背景融合，一起成为摄影师的客体，这是传统绘画对于空间的表达方式。

　　Sally Mann的这张广视角照片，主体离摄影师更近，不仅仅是物理距离，心理距离也显得更近，一起居于一个宽广深邃空间的边缘。

　　Gregory Crewdson的照片同时表达了主体和空间背景，两者成为客体。

　　与主体距离的远近带来不同的心理感受。Robert Frank的这张照片，距离增强了主体的孤独感，摄影仿佛是为了目睹孤独的工具。而游莉的这张，距离则唤起了记忆的感觉。

　　Alec Soth拍摄的《破碎手册》，追踪美国的隐士生活，一些照片通过距离象征着隐士的疏离和神秘，但也有极端亲密的照片。

　　对于Alec Soth来说，摄影总是关于距离和分离的。拍摄需要距离，摄影师躲在镜头的玻璃背后，就像是隔着一扇窗户——特别当他用黑色盖布蒙住脑袋和大画幅相机时，增强了摄影是在屋子里向外看的隐喻。但他后来又发现了连接的一面。分离与连接，成为他在中国名为《我和你》展览的主题。

　　这也是新作《我知道你的心跳有多剧烈》中的核心主题。镜头前的障碍物，围合了一个空间，这与人物的自闭状态产生联系。但障碍物一半遮挡，一半打开，并没有拒绝摄影师的镜头。在另外一些照片里，摄影师侵入了主体的空间，主体的姿势同时呈现了躲藏和接纳的两种状态。值得注意的是，在这样的照片里，空间的表达往往被削弱。

　　「镜与窗」的理论来自于萨考夫斯基所策划的展览。在展览书的序言中，他讨论摄影师可分为两类，一类是窗户派：观看外界；一类是镜子派：观看自我。萨考夫斯基将Robert Frank归为窗户派，但是Alec Soth反对这种看法。他发现弗兰克在观察美国人的时候，经常也呈现了自我。下面这张照片，窗帘意味着，凝视煤矿的目光来自一个室内空间。Alec Soth认为：「它传达了一种在路上的感觉……Robert Frank并不是真的要拍摄一张关于比尤特这个城市的照片，而是想表明当时他正在比尤特的一个小旅馆中。」

　　Soth发展了这些手法，他意识到，窗户可以打开连接外界，玻璃玻璃既透明又折射，这联系了他对于空间和距离的思考。

　　书中的这些照片，像是一个满是镜子与窗的园林，曲榭回廊，层层叠映，最后凝结为一个迷人的隐喻：镜头是窗户，相机是摄影师的房间。

　　另外，我的新课已上线，上述两节内容「空间与距离」、「镜与窗」将会结合包括Alec Soth在内诸多摄影师的实例，更系统地讲述。

　　个人美学知识比较欠缺，但是我认为构图技巧并不是美学知识的一部分，构图技巧是让新手先建立最起码的拍摄思路而已。

　　斯蒂芬·肖的《照片的本质》也不错，建议放一本在手边，没事儿就拿起来翻几页。

　　这本书你买了以后，迫不及待地翻上十页，第一个反应会不由得爆句粗口“这是什么xx摄影书！”，但是别着急。

　　这本书的阅读，不要抱着书里有锦囊妙计，看完按图索骥就“立即成功”的急功近利的想法。这本书需要放在手边，当最近的拍摄出现瓶颈以后，或者是一次重要的旅行或者拍摄之前，平心静气地凝视图片——回顾前面的说明文字——闭目“复盘”照片——凝视图片，如此反复，对其中一个章节进行“把玩”。

　　《照片的本质》不仅对摄影学生，而且对任何研究摄影媒介的人来说，都是一本必不可少的启蒙读物。在当代摄影史上和社会层面上都具有巨大影响的史蒂芬·肖尔（Stephen Shore），是一位具有开拓精神和影响力的摄影家，也是在摄影理论和实践方面的重要导师。他是纽约安南代尔哈德逊的巴德学院摄影系主任，而巴德学院在2015年被《普林斯顿评论》在“最佳课堂体验”和“综合最佳大学体验”中评为第一。

　　当你把这本书反复来回看五遍以上以后，就会觉着自己对照片的鉴赏能力提高了，再拿着相机面对纷杂的世界的时候，不再困惑。

　　实际上黑白是个很有意思的问题. 小声和大声不会让你产生黑和白的反应, 小痛和大痛也不会, 但光线却会. 黑和白不是天经地义的, 它是感知上对光信号的响应.

　　我觉得这是最基本的知识，是值得投资去理解的知识，不是说一句话的鸡汤。对于我等理工男而言, 艺术真的是摸不着头脑的东西.

　　但是摄影这一块给了我很好的开头. 其中最重要的就是上面三点, 算是从理到艺的过渡, 算是搭了个梯子.

　　我是玩转手机摄影的大叔，专注手机摄影6年时间了。对于这个问题，我深度回答一下。

　　我一直认为，摄影和绘画一样，因为需要你对光线ayx爱游戏、色彩、画面感有很好的驾驭能力。所以，美学知识，是你不得不学的知识。

　　你不要总是停留在学习三分法，黄金分割、九宫格、对角线构图……这些构图词语的概念上！

　　在摄影过程中，构图是非常重要的一个环节，也是所有摄影课都会讲的重要知识模块。然而，很多人学了很多种构图方法，反而更不会构图了。

　　曾经，我有一套课《构图的15个美学法则》曾经帮助了几千位同学改变了构图思维，今天我再把它的主要内容进行提炼，从中精选10个构图美学法则，让你不再惧怕构图，轻松运用这些构图的底层美学逻辑，你也可以拍出不错的照片。

　　好看的照片一定是简洁的，这也是构图美学法则的第一点。构图是对画面的取舍，所以需要对画面中的元素通过取景角度、颜色等方式，根据照片想表达的主题进行元素的取舍。与主题相关的保留，与主题无关的就要大胆舍弃。

　　比如，这两张照片：左边照片中只有人物、电线杆、地面三种元素，颜色也是只有青色、灰色、黑色三种，右边照片中只有人物、倒影、地面三种元素。这两张照片以非常简洁的方式体现光影和颜色之美。这就是构图中的“简洁”原则。

　　我们很多人刚刚拍照的时候，往往像左边的照片一样喜欢“贪多”,所以照片往往凌乱无章。只需要将照片中的元素进行精简处理，照片就会给人更高级感。

　　人眼都喜欢看有序的事物，不管你使用的是什么样的构图法，如果你能保持主体的有序，照片给人的感觉也会不错。

　　比如这张照片，拍摄的是学校操场上正在做课间操的小学生。因为穿了同样的校服，排成了整齐的队列，做了同样的动作，所以当采用俯拍的角度来进行取景的时候，画面就会给人一种秩序井然的感觉，也是一种美感。

　　同样我们在拍摄建筑的时候，也会经常发现一些建筑上的纹理非常整齐有序的排列，相同的建筑都会整齐的排列，我们在构图的时候，只要尽量把这种整齐有序的规律展现出来就可以了。

　　一张照片构图五个重要元素：主体、陪体、前景、背景、留白。所以，“留白”是一张照片里不可或缺的元素，它起着平衡画面、启发联想的作用。当我们取景构图时，一定要注意留白在画面中的比例。

　　这两张建筑的照片，因为恰当的使用了画面留白，主体在画面中就会很庄重，给人一种肃穆感。

　　留白的另一种作用就是简化画面。这一张照片采用仰拍的角度，以蓝色的天空为背景，对角线的取景，照片不仅有动感，同时画面也非常简洁。

　　生活中，可以遇到非常多的场景，比如：灯笼、水果、建筑材料，这些物体如何按照常规的取景法进行拍照，很难拍出效果。这一类的场景只需要重点体现它们的重复的规律，就可以体现一种形式上的美感了。

　　照片是静态的，所以比较难体现动感。但是动感的照片会给人一种“主体鲜活”的视觉感受。我们可以充分利用主体的动作来进行取景拍摄，这就是画面的“动感”。

　　画面中，因为有了几只飞起的鸽子，与伫立在屋檐上的几只对比，整个照片就会显得非常生机勃勃。

　　这张照片以抓拍的方式，人物敲鼓的动作非常舒展，衣服的裙摆也很有动感，沉醉的表情，照片活灵活现的线/.力感

　　两张照片都是以仰拍的角度，来体现一种重力感，同时在视觉上也会给人一种向上的力量。

　　，来给人的视线得到延伸，从而让照片更有透视感。>

　　机场里，利用扶梯作为汇聚线，照片形成了三维空间。

　　这个世界上很多事物是极致对称的，大到古代的房子、门、门锁，小到人的耳、眼、鼻都是非常对称的。对称的照片会给人平稳、踏实的心理感觉。不管你采用什么方法构图，如果你遇到的拍摄对象是一种对称的结构，你只需要把它的“对称”极致体现出来就好了。

　　利用水面倒影，把地面上的建筑实物与水面的倒影形成对称，这是一种人造的对称美感。

　　没有一样拍摄技巧，比“对比”更能让人印象深刻了。颜色的对比、大小的对比、远近的对比ayx爱游戏、疏密的对比、热闹与凄凉的对比、老与小的对比……如果你的照片中有很明显的对比，总会让人一眼就过目不忘。

　　在一个操场上，一边是密集的排好队伍的学生，一边是细数的三位同学。画面上的疏密让照片形成了两个空间。你的视线自然会被后面的三个同学所吸引，进而看到一个感人的故事：一位同学的脚不太方便，两位同学轮流背着同学去排队。这种画面上的构图技巧，让你突然之间被感动。

　　我们可以充分利用取景的方式，来变化照片主体与背景、主体的前后等画面比例，给人夸张、ayx爱游戏趣味的感觉。

　　、重复、动感、力感、透视感、对称、对比、比例。你没有必要去死记硬背那些构图方法，只要把这些美学法则熟记于心，遇到场景，灵活运用，就可以拍出好照片了。我是大叔，一个教手机摄影的文学青年，如果此文对你有帮助，麻烦点个认同和关注 ！

　　其实摄影的过程不过是“我看到-我想拍-我按下了快门”而构图与色彩乃至是器材，都是为这个过程服务的，就像写文章一样，有的人词藻浮华绚丽但是内容却苍白无比，有的人文笔朴实但是内容却耐人深思。摄影亦是这个道理。技术是必须要有的，但是技术是为内容服务的。

　　所以我认为题主所需要学习的并不是一些固定的美学知识，而是多想想自己怎样可以把这个事物表达出来并且表达得好，诚然，这样的进步着实没有网上的套路来的快，但是这也确实是摄影的真谛。

　　以我为例，我刚入摄影坑时，看的都是公众号上的套路子，这样进步确实飞快，但是拍出的照片也千篇一律，但不可否认的，这些套路确实能让我更好入门

　　这两张照片都是最开始拍的，也许观感还不错，但是所谓三分法和延展线的构图方式便一目了然。

　　后来我了解到森山大道，荒木经惟，布列松，Alex Webb这些大师时就买了一些画册，然后仔细研究，自己也开始尝试一些非套路的东西。在开始时是很艰难的，甚至有人说我的照片越来越丑。

　　这比起先前的一味套用，已经是很大的进步了。更何况比起套用，自己创造并成功的表达是一件更有成就感的事情。

　　故而，我个人认为，题主无需顾及太多美学知识，按部就班便可以，ayx爱游戏船到桥头自然直。

　　当你刚入门时学一学公众号上的构图与技巧是很有帮助的，但一味的追求这些便会沦为老法师了。

　　当你进阶时你可以试着去了解摄影师上的殿堂级摄影师并买几本他们的画册赏析，这不仅可以提高你题中提到的“美学知识”，而且会增加你对于摄影的思考甚至是以后对于自己拍照片时的灵感。

　　而当你成为高端玩家的时候，就能把copy变成create了，而这也正是摄影的乐趣所在。